Coming Home (Hal Hasby, 1978)

La primera película de Hollywood que cuestionó la guerra de Vietnam, incluso antes que El Francotirrador (Cimino) y Apocalipsis ahora (Coppola), esto debido al activismo político de Jane Fonda. Cuenta la historia de una mujer que, mientras su esposo se encuentra en la guerra, entabla una relación con un exsoldado lisiado que conoció en el hospital donde es voluntaria. De manera que ese amargo regreso a casa tiene dos versiones, la de estos dos hombres involucrados en este triángulo amoroso, que si bien parece el conflicto central, siempre están de fondo los traumas de la guerra y los contantes comentarios cuestionándola y reprobándola, todo con la inteligencia y lucidez de uno de los mejores directores de la década del setenta.

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England Is Mine (Mark Gill, 2017)

Esta es una película para los más entregados admiradores de Morrissey, que no tanto de The Smiths. Es un biopic de un célebre artista donde no suena ninguna de sus canciones, ni de la banda que redefinió el rock de los ochenta y noventa en el Reino Unido. Es decir, esta no es una biografía cinematográfica complaciente y convencional como casi todas lo son, donde muestran al artista en ciernes y luego su rutilante viaje hacia el éxito y la fama. Aquí la historia se queda en el relato intimista que se interesa más por el entorno y el espíritu que forjó a quien luego sería una de las más carismáticas figuras del rock contemporáneo. Es una película con imágenes bellas y melancólicas que recrean el choque entre un joven, Steven Patrick Morrissey, y un mundo, la precaria escena musical del Manchester de los setenta.

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Rebeldes del dios neón, de Tsai Ming-liang (1992)

La ópera prima de tal vez el más reconocido director taiwanés, Tsai Ming-liang, se presenta como un pesimista cuento urbano generacional. Las vidas de dos jóvenes, un estudiante y un delincuente, se cruzan en la atestada Taipei y el relato los iguala a partir de su aislamiento con el resto del mundo y un opaco estado de ánimo que parece nunca abandonarlos. Con una narrativa más interesada en las actitudes de sus personajes y en la creación de atmósferas que en una trama definida por un argumento clásico, esta película también es una bella muestra de una suerte de poesía visual que puede resultar tan sombría como colorida.   

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M, de Fritz Lang (1931)

La última película de Lang en Alemania, antes de ir a forjar una obra tanto o más sólida en Estados Unidos. Un asesino de niños es buscado tanto por la policía como por el mundo del hampa. Se trata de una película fundacional de las historias de asesinos en serie y una pieza que tal vez tiene lo mejor de dos tipos de cine afines a este maestro: el expresionismo alemán y los policiacos de Hollywood. Es una película a la que se le han hecho interpretaciones de contexto en relación con las adversas condiciones sociales y políticas de este país luego de perder la Primera Guerra Mundial y con la subsecuente proximidad del nazismo. Es también el nacimiento de una carrera actoral, la de Peter Lorre, lamentablemente encasillada en este tipo de roles, justo a causa de este filme.    

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Blattle Royale (Kinji Fukasaku, 2000)

Mucho antes de que se escribiera Los juegos del hambre, ya existía una novela y esta película que la adapta sobre un grupo de colegiales a quienes dejan en una isla para que se maten en tres días hasta que solo sobreviva uno. Es en un Japón actual pero distópico, donde los estudiantes están descontrolados y cada año es elegido un grupo al azar para ser llevado a la isla. La historia está contada en clave de relato de acción con una fuerte carga de violencia explícita que raya con el gore. De fondo podría leerse una reflexión sobre las brechas generaciones, pero en últimas, su virtud está en la hipnótica y visceral coreografía de violencia que juega con la ironía y la repulsión. Hay segunda parte: Battle Royale II: Réquiem (2003)

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Diario de una adolescente, de Marielle Heller (2015)

Basada en la novela (con gráficas) de Phoebe Gloeckner, esta película puede resultarle repelente o escandalosa a cualquiera que todavía en la actualidad considere que una mujer de quince años es una niña. Y es que su protagonista se debate entre la inocencia e inexperiencia y su voracidad para con el sexo y las drogas. Como todo buen diario, este formato permite que la vida de esta joven y su frontal transición a la adultez sean comentados por ella misma, de forma tanto reflexiva como inconsecuente y atrevida. Su ambientación en la década del setenta hace todavía más fuerte la historia, pues no da excusa para pensar que las adolescentes de antes eran diferentes. Además, esta temporalidad permite crear unas evocadoras atmósferas del San Francisco y la música de la época, todo lo cual es complementado con unas bellas y alucinantes intervenciones gráficas sacadas de la novela.

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Profundo carmesí (Arturo Ripstein, 1996)

Quien puede considerarse históricamente como el más importante director mexicano, presenta con esta película una crónica sobre una pareja de asesinos de manera tan poética como descarnada. La poesía se da por cuenta de esa puesta en escena siempre salpicada por un intenso rojo y por la belleza de su fotografía, así como por su sensibilidad para encontrar esa belleza en las situaciones y los lugares más sórdidos. Lo descarnado está en el periplo criminal de una pareja que realmente existió y sus métodos y sangre fría para cometer los asesinatos. Es también una road movie que cuenta una apasionada y enfermiza historia de amor, donde el ingenio de los diálogos le hace contrapeso a su gran calidad visual y narrativa.

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Bacurau (Kleber Mendonça Filho, Juliano Dornelles, 2019)

A esta película se han referido de muchas formas, las cuales podrían verse tan equívocas como acertadas: que es un western, realismo mágico, una distiopía, un filme de acción, una alegoría a la resistencia, en fin. Lo cierto es que algo de todo eso se puede encontrar en su historia y su relato, y por eso resulta impredecible la reacción que ante ella pueda tomar. Se trata del pueblo del título que está empezando a ser borrado del mapa y unos extraños visitantes que lo acechan. Está contada en un tono sugerente y misterioso que sabe administrar la información de manera que produce distintas emociones y estímulos. La lectura final que se puede hacer de esta inusual y original pieza no es unívoca, todo depende de qué película vio cada espectador.

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Regreso a casa (Zhan Yimou, 2014)

Es difícil escoger uno entre todos los imprescindibles filmes de este director chino. Esta película es como si fuera un segmento de su gran épica Vivir (1994). Ambas dan cuenta de los efectos que los grandes movimientos políticos tienen en una familia, la diferencia es que Vivir recorre cuatro décadas de la historia china, mientras Regreso a casa solo habla de las repercusiones de la Revolución cultural y lleva el relato a un plano intimista y emotivo, definido por la sutileza de los sentimientos, los cuales son recreados en medio de una pormenorizada antropología de la vida cotidiana  de este país en la década del setenta. También es una bella película con esas imágenes que saben trasmitir ese tono emotivo pero contenido que define toda la historia, que también puede verse como una versión china y politizada del mito de Penélope.      

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Northern Soul (Elaine Constantine, 2014)

Aunque históricamente parece que la música del Reino Unido es mejor que la de Estados Unidos, también se puede ver la constante, paradójicamente, de que los del país europeo se nutren periódicamente de los sonidos de su antigua colonia. En esta película, más que esa influencia en las bandas, se ve en la cultura popular, pues se trata del descubrimiento por parte de jóvenes del norte de Inglaterra de la música soul, y en especial de las posibilidades de su baile, del cual se apropian de una estrafalaria y vehemente manera. Es un relato que exuda pasión, irreverencia y vertiginosidad. La pareja de protagonistas se inician en las pistas de baile y continúan como Dj’s, para terminar en una espiral de excesos donde la droga y la violencia parecen incompatibles con esa conmovedora devoción por una música y su baile.   

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The trip (Roger Corman, 1967)

La primera película sicodélica, el primer viaje con LSD del cine y de su protagonista, interpretado por Peter Fonda. El viaje de una noche por los efectos de una nueva y fascinante droga que entroncaba perfectamente con el verano del amor que vivía la costa Oeste de Estados Unidos en 1967, con todo su rock, paz, amor libre y espiritualidad hippy. Roger Corman siempre corrió los límites expresivos del cine desde las películas de bajo presupuesto. En este filme aprovecha el concepto de la sicodelia y los efectos alucinógenos de la droga para desplegar toda una serie de recursos visuales (y sonoros) desde el montaje, el color, la fotografía, la puesta en escena y los efectos especiales. Una pieza de culto y una obra clave de la contracultura.  

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Playtime (Jacques tati, 1967)

Tal vez la mejor película de este autor único del cine francés, un cultor del humor inteligente y crítico con su tiempo, que creó su obra desde la nostalgia y las virtudes de la pantomima del cine mudo (por eso no necesita subtítulos). En las seis secuencias de este filme, como siempre, el Señor Hulot (el mismo Tati) y un grupo de turistas, se pasean por un Paris moderno y sofisticado, protagonizando y presenciando absurdas y divertidas situaciones que describen y comentan con sorna e ingenio las convenciones de la sociedad moderna y automatizada. No es el humor fácil de la caída y el porrazo, sino un sutil juego con las imágenes, las ideas y la pantomima. A pesar de la claridad de las situaciones, puede decirse que es una propuesta más conceptual que argumental.     

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Dean (Demetri Martin, 2016)

Una historia minimalista y sosegada, cruzada por un humor sutil y por el drama propio del duelo y la pérdida. Dean es un dibujante a quien se le ha muerto su madre y acaba de romper con su prometida. El relato es el reflexivo viaje de un hombre que trata de recomponer su vida y su familia, sin caer en sensiblerías ni melodramas, más bien en un encantador tono de comedia melancólica. Demtri Martin, además de escribir, dirigir y protagonizar esta pieza simple pero profunda, también es el autor de los dibujos que fungen como hilo conductor y coro griego que guían el relato y lo comentan con todo el ingenio y la sencillez de sus trazos.

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Proyecto Florida (Sean Baker, 2017)

El “sueño americano” y su recompensa, la “forma de vida americana”, es solo un suntuoso ideal del que está excluido un considerable sector de la población estadounidense. Los protagonistas de esta película hacen parte de esta exclusión, familias incompletas que tienen viviendas que ni alcanzan a ser casas, solo las habitaciones de un colorido motel en Orlando, no muy lejos de la tierra de ensueño de Disney, con ese castillo de cuento de hadas que representa todo lo feliz y lo fantástico. Pero esta historia no tiene nada de fantástico, pues resulta una desconcertante descarga de realidad que ronda los límites de la marginalidad.

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Rushmore (Wes Anderson, 1998)

Se dice que las actividades extracurriculares no son relleno. Tampoco lo son, por supuesto, la búsqueda del amor, cultivar la amistad o estrechar los lazos con la familia. La segunda película de Wes Anderson es sobre todo eso, aunque se trate de la vida en un colegio, el del título, donde lo que menos vemos que hacen los alumnos es estudiar. Es un divertido relato sobre la pérdida de la inocencia y la llegada a la madurez, cargado de ingenio y con una original visualidad, aunque no tanto por esa línea a veces empalagosa de sus últimos filmes. Pero lo que sí tiene aquí y ha perdurado y mejorado con los años, es el encanto y carisma de sus personajes y esas emotivas e inolvidables relaciones que crean entre ellos. 

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Pixote (Héctor Babenco, 1981)

Un clásico del cine latinoamericano, una de las primeras películas que al realismo social le da también un tratamiento de realismo sucio. Pixote es un niño de un barrio marginal de Sao Paulo que termina en un reformatorio y luego en el mundo de la criminalidad. Con un fuerte componente documental, empezando por la introducción que hace el director y por el uso de actores naturales, el filme trata con integridad sus temas y personajes, a pesar de los fuertes pasajes de abuso y violencia que hacen parte de su argumento. Se trata de un relato cruento, pero sensible con el contexto que retrata y lleno de imágenes potentes.   

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Jesucristo Superestrella (Norman Jewison, 1973) -DOSSIER SEMANA SANTA-

Basada en el exitoso musical de Broadway de Andrew Lloyd Webber y Tim Rice, esta película da cuenta de la vida de Jesús una semana antes de su crucifixión, pero lo hace desde el punto de vista de Judas Iscariote, jugando con anacronismos y haciendo una representación crítica del clero. Por estas razones, fue un filme que no estuvo exento de polémicas y censuras. Es una ópera rock que combina con ingenio la música de los años setenta y la estética hippy con el más conocido de los relatos bíblicos.    

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El hombre de la tierra (Richard Schenkman, 2007) -DOSSIER SEMANA SANTA-

Un profesor, en su reunión de despedida, le confiesa sus colegas tener catorce mil años. Entre la incredulidad, la intriga y el jugueteo intelectual la larga conversación que es esta película hace un fascinante recorrido por la historia de la humanidad desde la particular perspectiva de un hombre que la ha experimentado. En algún momento el relato y la discusión recalan en el origen del cristianismo, por lo que las revelaciones y emociones se hacen aún más intensas. Una película minimalista en su puesta en escena pero inteligente y compleja en sus argumentaciones, con una original premisa que permite reflexionar sobre la historia, la conformación de las religiones y la naturaleza humana.     

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El libro de la vida (Hal Hartley, 1998) -DOSSIER SEMANA SANTA-

Jesucristo llega a Nueva York el último día del siglo XX. Existe la posibilidad de que esa noche se acabe el mundo, lo cual está en manos suyas. Durante todo el día lidiará con la incertidumbre sobre lo que debe hacer, mientras Magdalena (P.J. Harvey) le ayuda y Satanás le hace las cosas más difíciles. Con la dinámica propia de una película indi de los años noventa, Hartley reflexiona sobre el dogma cristiano y la condición humana. Se trata de una variación original y divertida (en un sentido muy intelectual) del día del juicio, desarrollada, además, con gran inventiva visual aprovechando las posibilidades y limitaciones de la imagen del video, cuando el cine de vanguardia ya se empezaba a hacer en este formato.   

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La última tentación de Cristo (Martin Scorsese, 1988) -DOSSIER SEMANA SANTA-

Quienes crearon controversia por esta película y la censuraron por su supuesta visión herética de la figura y pasión de Cristo, no se dieron cuenta de que la ficción alternativa que crea aquí Scorsese sobre Jesús revalida su importancia mesiánica y la reconfirmación de la fe cristiana. Se trata de una pasión que tiene un gran paréntesis con Cristo en la cruz y bajo el esquema de “qué tal si…” desarrolla la posibilidad de un Jesús terrenal y las probables consecuencias de ello. Es un relato potente y recreado con maestría visual que, sin duda, resulta más hondo y reflexivo, en favor del cristianismo, que El mártir del calvario y sus sucedáneos.     

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El nuevo Nuevo Testamento (Jaco Van Dormael, 2015) -DOSSIER SEMANA SANTA-

Esta fábula herética derrocha ingenio y fino humor a costa del mismísimo Todopoderoso. Parte de un original planteamiento en el que proponen que Dios vive en Bruselas con su hija y su esposa, pero además, lo definen como a un hombre desaliñado y cascarrabias que poca simpatía siente por la especie humana. Contada en clave de fábula fantástica, la película aprovecha para reflexionar sobre la vida, los seres humanos y el estado de las cosas.
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Dogma (Kevin Smith, 1999) -DOSSIER SEMANA SANTA-

Una comedia desenfadada y amorosa sobre la religión. Desde jugueteos con lo blasfemo (como el Buddy Jesus), pasando por la violencia extrema, hasta la contante reafirmación de la fe católica, esta película embarca a su coro de personajes en una odisea de salvación y destrucción de la existencia humana. La última descendiente de la familia de Jesús, acompañada de dos profetas (Jay y el Silencioso Bob!) tratarán de evitar que dos ángeles burlen la infalibilidad de Dios. Una divertida e ingeniosa propuesta que pasa por varios registros, porque por momentos puede ser el cine más adolescente, pero en otros un cuestionador tratado sobre el dogma y la fe cristianos.  

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La vida de Brian (Terry Jones, 1979) -DOSSIER SEMANA SANTA-

Los Monty Python son tal vez el grupo de comediantes más importantes de la historia del cine (con el perdón de los hermanos Marx), y esta fue su película más exitosa, en parte por la sombra de censura y polémica que la cubrió durante la época de su estreno. Se trata de la historia de un hombre que nació el mismo día a unos cuantos pesebres de distancia del de Jesús, por lo que siempre lo confundieron con el Mesías y tuvo una vida paralela que solo le trajo inconvenientes y desgracias. Este divertido planteamiento argumental solo es una disculpa para crear humor a costa de lo más sagrado de las santas escrituras y de aquella época histórica, así como de la fe, la religión, la filosofía, los regímenes políticos, las ideologías y, claro, los romanos, porque el principal blanco del humor siempre es el poder.

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Brazil  (Tery Gilliam, 1985)

Esta película es una hermosa pesadilla. Hermosa desde el punto de vista cinéfilo y de cara a la agudeza y el ingenio para construir una historia, un mundo y unos personajes; y una pesadilla para quienes viven en ese mundo, especialmente para su protagonista, quien también vive en otro mundo, uno donde la fantasía, la libertad y el heroísmo son posibles. La distopía que propone Brazil es la peor de todas, porque se trata de la dictadura de la burocracia. Además, como todos los de este director, es un filme en el que el peso de la materialidad de ese universo y la visualidad del relato tienen tanta o más importancia que la historia que se cuenta. Es una fantasía oscura, futurista y épica, desplegada en medio de una atractiva estética de futuro retro, donde su potente premisa de pesimismo sobre la humanidad está sazonada con mucha sátira y humor negro.

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No es exactamente Hollywood: La salvaje historia no contada del Ozploitation! (Mark Hartley, 2008)

Ozploitation es el cine de explotación realizado en Australia en las décadas del setenta y ochenta. Este documental hace un apasionado recorrido por un género de la serie B que si bien, en principio, está solo definido por su país de origen, lo cierto es que todo ese cine desaforado de acción, horror y erotismo que en cierta medida lo hacía también Hollywood, en este país continente tomó unas proporciones que traspasaron el delirio y la extravagancia. El mismísimo Tarantino, con su reconocido fervor por este tipo de cine, es el primero en advertirle al espectador lo sorprendente de estas películas. Un fascinante viaje por un cine desconocido en este hemisferio y en estos tiempos, pero que sin duda contribuyó a correr los límites de todo el cine extremo que vemos hoy.    

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Anomalisa (Duke Johnson, Charlie Kaufman, 2015)

No es frecuente que en la industria del cine el guionista sea la estrella, y Kaufman lo es. El suyo es un universo generalmente dislocado, transformado por realidades fantásticas o paralelas, las cuales usa como recurso para reflexionar sobre la identidad personal y el sentido de la vida. Esta es la historia de un hombre gris sumido en la rutina, a quien una mujer parece cambiarle la vida. Es un breve aunque elocuente tratado sobre el sinsentido existencial. Una película ingeniosa en sus recursos argumentales y metafóricos, así como en el uso de la animación, una técnica que no fue usada por capricho sino en función de la premisa que desarrolla la historia. Se trata de un alegato contra el conformismo de la vida diaria, por eso es un relato tan estimulante como incómodo, que deja un buen sabor por el cine y un mal sabor por la vida.

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El día de la bestia (Alex de la Iglesia, 1995)

Original, hilarante, ingeniosa y delirante. Estas son algunas de las cualidades de una de las mejores películas del cine español, si confiamos en todas las listas que se hacen. Una comedia tan negra como el mismísimo infierno, que con un ritmo frenético nos cuenta la historia del padre Berroatúa, quien después de pasarse media vida descifrando el Apocalipsis, se da cuenta de que el anticristo está a punto de llegar y que el satánico suceso será en plena noche buena y nada menos que en Madrid. Una experiencia visceral y divertida, contada con el ímpetu de un gran director que apenas empezaba su carrera.

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No soy una bruja (Rungano Nyoni, 2017)

La sorprendente historia de una niña en Zambia que es acusada de bruja y llevada a un “campo de brujas” a trabajar. Una película a mitad de camino entre el exotismo de la idiosincrasia de un país africano y la denuncia de la explotación y esclavización de mujeres que, por algún problema o “defecto”, la sociedad quiso deshacerse de ellas. Un relato revelador y reflexivo sobre las dinámicas de poder, la arraigada superchería en una cultura y las formas de dominación sobre la población más marginal en ese contexto social, empezando por las mujeres.

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Micmacs, de Jean-Pierre Jeunet (2009)

El cine actual tiene pocos directores tan originales, imaginativos y encantadores como el francés Jean-Pierre Jeunet. Con esta película confirma esas cualidades y le da continuidad a una obra fascinante y bien definida en los elementos que la componen: todas sus historias son sobre personajes inocentes que se enfrentan a un mundo hostil o corrupto, emprenden una utópica empresa por una buena causa y son ayudados por un simpático grupo de aliados dotados de singulares habilidades. Esto sucede en Micmacs, pero también en Delicatessen (1991), La ciudad de los niños perdidos (1995), Amelie (2001), Amor eterno (2004) y solo parcialmente en l extraordinario viaje de T.S. Spivet (2013).

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Muñecas, de Takeshi Kitano (2002)

Esta película entrelaza tres trágicas y emotivas historias de amor, apelando a una estructura narrativa que va alternando los tres relatos sin que tengan nada qué ver entre sí, y además recurriendo a un montaje no lineal. Es un recurso que para el espectador desprevenido puede parecer confuso, pero es una marca de buena parte de la obra de Kitano, ese gran director japonés que está entre Ozu y Koreeda. Es una pieza que, como casi todo lo suyo, debe su fuerza y belleza a la conjunción de contrarios, en este caso el amor y la tristeza, la violencia y el sentimentalismo, la entrega total de los amantes y la fatalidad con que el destino los maneja.

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El intenso ahora, de João Moreira Salles (2018)

Los días de sueños, idealismo y revolución en las calles parisinas de Mayo del 68 están en el imaginario colectivo como un símbolo de resistencia y de la glorificación del poder de la juventud que quería cambiar el mundo. No obstante, la mirada que hace este cineasta brasileño de esos febriles días, no tiene nada de gloriosa, por el contrario, se esmera en desmontar y cuestionar cada elemento del mito y hacer unas reflexiones, tan lúcidas como desconsoladoras, sobre aquellos memorables eventos. Los recursos que utiliza para hacer esta suerte de ensayo político es el material de archivo y una constante voz en off que se muestra reflexiva y analítica con cada imagen que pasa por la pantalla.

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La comezón del séptimo año, de Billy Wilder

Del cine clásico de Hollywood, Billy Wilder; y de Billy Wilder, esta película, la cual fue construida a partir de una prohibición moral y, al mismo tiempo, sobre la mayor provocación sexual de su tiempo. La prohibición es que, aunque se trata de una historia sobre el adulterio, no podía haber adulterio; mientras que la provocación no es otra que Marilyn Monroe, el mayor objeto de deseo de los hombres y el modelo de belleza de las mujeres. Y es por esta contradicción de sentidos que esta cinta es un clásico, porque muestra lo que no debe mostrar, burla la censura con un ingenioso humor, critica el puritanismo y doble moral de la sociedad y demuestra que Marilyn Monroe no solo era un ícono del cine y símbolo sexual, sino también una gran actriz.

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A través del universo, de Julie Taymor

Esta es una película para los amantes de The Beatles, pero también para quienes se entusiasman por los idealismos y luchas de los años sesenta, así como para los que gustan de un cine colorido, apasionado y estimulante. Es una pieza donde su guion y construcción de los personajes están condicionados por las letras de la música del cuarteto de Liverpool, por lo que, justamente, esta música y la época que la produjo son la razón por la que un cinéfilo, más aún si es melómano, debería ver esta cinta.

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Vampiros en la Habana (Juan Padrón, 1987)

Acaba de morir este querido director cubano y por eso recomendamos hoy su más importante obra. Se dio a conocer por su personaje, y luego película, Elpidio Valdés, y después por su colaboración con Quino. Vampiros en la Habana podría hacer parte de ese género inventado en Colombia por Mayolo y Ospina llamado Gótico tropical, pues cuenta la historia de dos facciones de vampiros, una estadounidense y otra europea, que luchan por una fórmula con la que los vampiros pueden estar a la luz del día. Por eso es una película de gángsters, de vampiros y una comedia, pero de fondo, por supuesto, habla también de la revolución cubana. Tal vez se trata de la mejor película animada del cine latinoamericano, por su ingenio, originalidad y gran sentido del humor. 

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Hostiles (Scott Cooper, 2017)

Un western difícil de comparar con otro, no tanto por su esquema de road movie cargado de violencia, sino por la forma como la naturaleza de esa violencia se presenta en cada personaje de la película. Es una historia dura y descorazonadora, donde la hostilidad del título hace parte de cada gesto y de toda la atmósfera de un lejano oeste en su época crepuscular, cuando empezaba a cambiar la concepción que se tenía de los nativos americanos. Un tensionante relato dirigido con precisión, que aflige al espectador en cada momento y no le hace concesiones.

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